Pavement © Gail Butensky

Stephen Malkmus n’est pas Grunge. Il est loin de l’être ou même de l’avoir été. C’est un gars, né en Californie en 66, peut-être au bout de la route du même nom d’ailleurs puisque celle-ci s’arrête sur le port de Santa Monica et que c’est dans cette même ville que Stephen poussa son premier cri.

Slanted and Enchanted (1992)

Crooked Rain, Crooked Rain (1994)

En 1994 sort l’album qui va définitivement les installer comme groupe phare de la scène américaine : Crooked Rain, Crooked Rain et LA chanson que je vais souvent siffloter par la suite : Cut Your Hair. Je la découvre au travers du clip, un peu de n’importe quoi mais les clips de Rock n’ont jamais été des merveilles jusqu’alors donc… moi je suis surtout emporté par la mélodie, le rythme, la voix du chanteur. D’autres morceaux valent vraiment le coup sur ce LP, la chanson d’ouverture de l’album Silence Kid en est un, mais aussi Unfair (ou comment avoir un accordage de guitare différent…), Range Life et sa mélodie tranquille, sa voix laconique ; Heaven is a Truck, laconique à l’extrême, un peu comme si le groupe avait enregistré le morceau couché sur un divan…

Ce groupe est assez atypique à d’autres points de vue, les membres étudiant ou bossant dans des endroits parfois diamétralement opposés des Etats-Unis, ils composent et arrangent tout chacun de leur côté et mettent tout ensemble durant les répétitions et séances de travail communes. Cela leur laisse vraiment une liberté créative impressionnante sans ralentir vraiment leur rythme de sortie d’albums puisqu’en 95, c’est l’album Wowee Zowee qui pointe son nez au détour de mon retour d’Irlande et j’embarque quelques amis dans l’aventure Pavement par la même occasion.

Cet album est réellement excellent, We Danse, ouvrant le LP n’a absolument pas la couleur du reste de celui-ci, j’adore cette chanson mais le reste de l’album est vraiment d’une grande qualité. Ecoutez Rattled by the Rush ou Grounded pour vous en convaincre. C’est un album assez expérimental quelque part derrière sa surface propre tenue par de bonnes mélodies. Serpentine Pad et Flux=Rad et leur côté Punk affiché, presque skate-Punk d’ailleurs viennent trouer l’ambiance et c’est bien. Motion Suggests nous redescend ensuite tranquillement et calme l’afflux d’adrénaline. Ce sont là 18 morceaux qui s’enchainent comme des petits pains dans les oreilles.

Pavement

En 1997, Brighten the Corner est un album plus travaillé, moins « livré dans la foulée » que Wowee Zowee. Le morceau Stereo ouvre le bal par son intro tranquille mais où on sent que ça va péter. Ce morceau est vraiment une perle. Quand ça vient on est prêt. On sent que l’expérience s’est installée, même sur le côté expérimental que gardera le groupe jusqu’à la fin, le morceau Stereo vous le démontrera sans peine. Shady Lane très entrainante, avec en contrepoint des désaccords intéressants, Embassy Row est aussi dans cette veine sur son intro, ensuite ça part sur du riff Rock et un refrain entêtant tout en désaccords lui aussi derrière ses riffs propres. Un morceau que j’aime particulièrement pour ma part mais sur la galette il y a l’embarras du choix.

Terror Twilight vient, à l’aube des années 2000, clore la carrière de Pavement. Bien que j’apprécie beaucoup l’album, le succès commercial n’est plus là au niveau international, sans doute est-ce le signal pour passer à autre chose, les années 90 se terminent, les courants changent et même si leur musique reste de très bonne facture, de plus en plus travaillée, cela ne suffit sans doute plus.

Stephen Malkmus, du haut de ses 34 ans décide alors d’attaquer une carrière solo sous le nom de Stephen Malkmus & The Jicks. Dans l’année qui suit, soit en  2001 un album éponyme sort. Sa musique ne change pas, c’est une vraie prolongation de Pavement, une espèce de pas sur la marche supérieure. Le morceau Black Book le montre bien. Par contre on y sent aussi une influence plus folk parfois, en « sous cutané » comme dirait l’autre (The Hook, Pink India). Les désaccordages (ou accordages alternatifs c’est selon…) sont toujours présents, les ruptures de rythmiques aussi, le côté enfantin et simple de certaines mélodies aussi, écoutez donc Phantasies ou Troubbble pour comprendre ce que je veux dire ici. La voix se veut par contre beaucoup moins laconique, moins en désaccord elle aussi par rapport à l’orchestration globale. Il y a sur ce LP de vraies bonnes pépites : Jo Jo, Discretion Grove, Jeanny & the Ess-Dog et son couplet un peu  Lloyd Colien époque No Blue Sky.

Stephen Malkmus (2001)

Je ne peux malheureusement pas vous parler de Pig Lib, sorti en 2003 car je ne l’ai pas… Par contre on comprend à la sortie de son troisième LP solo (accompagné des Jicks mais c’est compliqué vis-à-vis de la maison de disque alors…) que Malkmus a décidé de s’enfoncer plus profondément dans l’expérimental en mixant pas mal de sons bizarres, un soupçon d’électro même parfois, bref en sortie de Pavement soit il se cherche, soit il sait exactement où il va. Je pencherais personnellement pour la seconde affirmation, connaissant bien son travail. Mais à la première écoute Pencil Riot, qui ouvre donc Face The Truth (2005) est assez déroutante. Mais là est peut-être le secret du titre de l’album. Quelle vérité ? Celle que nous croyions avoir en face de nous, installée par le succès de Pavement ? Ou bien celle que nous découvrons en écoutant cet album très différent du précédent et qui nous fait découvrir Malkmussous un nouveau jour ? Même si bon sang ne peut pas mentir et que ses influences ainsi que son passé musical transparaissent au cours de l’écoute, on découvre une nouvelle facette de sa personne et cela ramène un peu de fraîcheur à l’image globale.

Real Emotional Trash (2008)

Real Emotional Trash, en 2008, confirme la chose. La transformation s’est opérée. Stephen Malkmus n’est définitivement plus Pavement et c’est bien. Il fait désormais ce qu’il veut, comme il veut, débarrassé de son étiquette. Il en profite d’ailleurs pour signer l’album avec l’ajout du nom de son groupe The Jicks à la cover du LP. L’album est excellent, plein de petites trouvailles au détour des morceaux. Ils deviennent par la même occasion beaucoup plus fouillés, plus complexes et restent souvent loin de l’excitation « Pavementienne » presque « skatienne » (va falloir que je dépose des droits pour certains mots moi tellement j’en invente !).

Petite parenthèse nostalgique, en 2010, Pavement décide de se reformer pour une tournée sur quelques scènes indé européennes.

Enfin, et c’est pour cela que j’ai été déterré Pavement au départ pour Paris, en 2011 sortait le dernier album en date de Stephen Malkmus & The Jicks : Mirror Traffic. Ouvert par Tigers, on commence à croire à un retour aux sources mais non, loin de là et cela nous rassure. Pas au regard d’une qualité quelconque de l’avant 2000, mais simplement parce qu’on commençait à bien l’apprécier le Malkmus nouveau, nous ! Bon sinon on entend bien, pour l’oreille avertie, une Fender JazzMaster, et ça, un jour il faudra qu’on fasse une retro sur ces guitares qui ont marqué les années 90 alors qu’elles sont nées à la fin des années 50, mais ceci est une autre histoire… Cela reste ma guitare préférée en tous cas, une fois bidouillée. Elle donne en tout cas à Mirror Traffic, produit par Beck une sonorité particulière très vintage sur les solos surtout. L’écoute est très agréable, emplie peut-être d’un peu de nostalgie, ce qui en a fait un vrai compagnon dans mes balades parisiennes car j’aime cette ville mais n’y vais pas assez souvent à mon goût. Par contre on y rencontre un Malkmus plus posé, plus mature peut-être ? En tous cas pétri de beaucoup d’influences différentes et écouter ce qu’il en fait est très intéressant.

Mirror Traffic (2011)

Voilà, c’est finalement bien plus long qu’un article sur un bouquin de photos, quand bien-même celui-ci est très bon, mais au final commenter des photos reviendrait à vous faire des trucs un peu plats alors que là et bien il m’a semblé partager un peu de ma passion avec vous : le Rock !

By Greg Pinaud-Plazanet

Manon Delestre

• Lift Me Up – Moby (2005)
• Be-Bop-A-Lula – Gene Vincent (1956)
• Touch Me – The Doors (1969)
• My Name Is Stain – Shaka Ponk (2011)
• Psyche Or Like Scope – Family Of The Year (2010)

Sabrina Becker

• Hold Your Head Up High – Nomy (2009)
• Video Games - Lana Del Rey (2011)
• Welcome Home - Radical Face (2007)
• Rue Des Souvenirs – Les Cowboys Fringants (2008)
• Dust In The Wind – The Eagles (cover)

Manal Aboutayeb

• Piazza, New York Catcher – Belle & Sebastian (2003)
• I’ll Be Your Mirror – The Velvet Underground (1967)
• Cry Baby – Janis Joplin (1970)
• Drink To Moving On – Grand National (2004)
• How It Ends – DeVotchKa (2004)

Diego Seval

• Everyone – Van Morrison (1970)
• Pretty Bad – Thurston Moore (1994)
• Volcano Girls – Veruca Salt (1997)
• Magic Man – Heart (1976)
• Fireworks – Animal Collective (2007)

Anthony Amar

• Grow – Jah Gaïa (2011)
• Kill Kill – WAT (2011)
• Trop Facile – La Canaille (2011)
• Witchcraft – Pendulum (2010)
• Parler Le Fracas – Le Peuple de l’Herbe (2012)

Sabrina Cirillo

• Over and Over Again – Clap Your Hands Say Yeah (2005)
• Nothing Else – Archive (1996)
• La Crise – Da Silva (2011)
• Le Jour Le Plus Froid du Monde – Dionysos (2007)
• Time to Dance – The Shoes (2011)

Hélène Delabuis

• Billie Holiday – Warpaint (2009)
• I Thought I Was An Alien – SoKo (2012)
• Sweetheart I Ain’t Your Christ – Josh T. Pearson (2011)
• Vomit – Girls (2011)
• The Beast – Laura Marling (2011)

Vanessa Mans

• I’m Not Gonna Cry – Sharon Jones & The Dap-Kings (2011)
• So American – Portugal. The Man (2011)
• Without You – El Presidente (2005)
• Reign – Ian Brown (2006)
• Play The Hits – Hal (2004)

Mickael Chailloux

• Leavin’ Stephenville – Kyle Park (2011)
• Graveyard – Feist (2011)
• Let’s Roll – Yelawolf (2011)
• I Don’t Want This Night To End – Luke Bryan (2011)
• Drink In My Hand – Eric Church (2011)

Greg Pinaud-Plazanet

• Cut Your Hair – Pavement (1994)
• Circulation – Thurston Moore (2011)
• Every Night My Teeth Are Falling Out – The Antlers (2011)
• Drivetime – Echo & The Bunnymen (2009)
• Tune Grief – Stephen Malkmus & The Jicks (2011)

Antoine Lacot

• Fly – Ludovico Einaudi (2007)
• No Rain – Blind Melon (1992)
• Stay With Me Tomorrow – Patrick Park (2007)
• A Real Hero – College feat. Electric Youth (2011)
• Hope There’s Someone - Antony & The Johnsons (2005)

Antony Hegarty (Antony & The Johnsons)

By Antoine Lacot

C’est alors qu’en 2009, « Primary colors », le second album tant pleurniché par les tendanceurs rocks s’affirme plus accrocheur ! On remarque le charisme et la simplicité du chanteur et on aime qu’ils se soient défaits de leurs tenues noires et étranges. Le rock garage s’évanouit au profit d’un son post-punk décadent.

The Horrors

On veut souffrir avec eux et on piétine d’impatience pour le troisième album qui se révèle être déroutant de plaisir. Débarrassé de tous artifices rock, le groupe s’évade et nous entraîne sans transition avec « Skying »  en 2011 vers des cieux psychédéliques, des tonalités planantes, et une musique profonde.

Outre la merveilleuse palette sonore offerte par The Horrors dans les trois albums, on admire leurs prestations scéniques. En 2011, c’était le concert à ne pas manquer.

Excellent virage que ce Skying aérien : ils passent sans sourciller du rock garage à de la pop obscure quoiqu’aérée voire éthérée. C’est sans nostalgie qu’on appréhende la prestation scénique du groupe. L’énergie dégagée tantôt dans leurs concerts limite punk rock gothique transcende les genres. Passionnant de voir un groupe se remettre en question et foncer tête baissée dans une musique plus atmosphérique, une pop dramatique. Quel étrange et paradoxal bonheur d’entendre le  chant sombre et atonal de Faris Badwan !

L’album « Skying » inspiré  s’appuie volontiers sur quelques distorsions heureuses, et les Shoegazers ont élu leur chanteur musicien à part entière. Pas d’instrument dans les mains, mais une présence simple, une voix mixée à la hauteur des riffs. Ce mixage anglais qui tue immédiatement cet horrible son de la variété mainstream à la française quand elle montre ses pires oripeaux.

Vous voilà prévenus. Il ne faut pas manquer The Horrors. En janvier 2012, il peut y avoir séance de rattrapage.

By Vanessa Mans

Pochette du quatrième album studio, Metals, de Feist

Dès la pochette de l’album, Feist nous indique de quelle manière sera le son de cet album. Il sera métallique, grisonnant mais pas noir. Cela ne peut que se confirmer à l’écoute du disque.

L’ambiance de l’album est électrifiée plus qu’électrique, éclectique plus que similaire. Elle semble feutrée, mélancolique. La voix de Leslie Feist est remarquable, moins enjouée peut être, magnifiée par les orchestrations folk-pop. En effet, les mélodies sont très bien travaillées, presque naturelle, sans fioritures.

Comme dans chaque album, certains titres sont plus intéressants que d’autres. Le premier single, How Come You Never Go There, bien sur. Mais des titres comme Confort Me, ou Caught In A Long Wind sont remarquablement bien ficelés.

On trouve cependant deux masterpieces : tout d’abord, Graveyard. Cette chanson est probablement la meilleure chanson de l’album : elle alterne folk alternative et grandes orchestrations dynamiques. On trouve la même chose, en plus « rock » dans la chanson Undiscovered First, et dans A Commotion. Ces deux chansons en révèlent plus sur l’album que de nombreux autres discours.

Leslie Feist

Vous l’aurez compris, si vous souhaitez une ambiance mélancolique mais pas suicidaire, planante mais pas hallucinante, folk mais pas rock, pop mais pas mielleuse, alors, il faut vous procurer le dernier album de Feist, Metals.

Si vous voulez la voir sur scène, elle sera en France le 21 Mars 2012 au Zenith de Paris, le 22 Mars 2012 au Transbordeur de Villeurbanne, le 23 Mars au Théâtre Sébastopol de Lille.

Tracklist de l’album Metals de Feist :

1. The Bad in Each Other
2. Graveyard
3. Caught a Long Wind
4. How Come You Never Go There
5.  A Commotion
6. The Circle Married the Line
7. Bittersweet Melodies
8. Anti-Pioneer
9. Undiscovered First
10. Cicadas and Gulls
11. Comfort Me
12. Get It Wrong, Get It Right

Plus d’informations sur listentofeist.com.

By Mickael Chailloux

"Crazy Clown Time", David Lynch, 2011

Crazy Clown Time est un ovni de rock expérimental. De toute façon, Lynch adore expérimenter, cela s’est toujours senti. Son album, sorti en novembre 2011 ne déroge pas à la règle et cet artiste réussit le pari de nous entrainer avec lui, ce qui, pour quelqu’un qui est réputé comme ayant un univers assez hermétique, est assez paradoxal.

Son univers, on y adhère ou pas. Si ce disque n’a rien de formidable, j’avoue qu’il m’a bercé de façon onirique, entre rêve et réalité, un entre deux eaux, jamais noyé mais pas franchement à l’air libre.

On retrouve dans ce disque beaucoup de choses reconnaissables, les accords de guitares un peu surf (Rickenbacker ? Fender Jaguar ?), pleins de reverb et de slides, c’est quelque chose que l’on croise souvent dans ses films (Ok, plus dans Sailor & Lula ou Blue Velvet que dans Dune et Inland Empire mais bon…). On y trouve aussi beaucoup de rythmes lents à la façon de la BO de Twin Peaks : rappelez-vous la fameuse scène où Audrey Horne (Sherilyn Fenn) danse langoureusement, seule. C’était alors une musique d’Angelo Badalamenti. Mais quand on sait que David Lynch a souvent collaboré avec lui sur des projets, on ne s’étonnera donc pas.

Souvent envouté par les beats très lents mais bien marqués, on a tendance à ne pas faire attention à la voix hormis sur le premier morceau Pinky’s Dream où c’est la chanteuse du groupe New Yorkais Yeah Yeah Yeahs , Karen O qui s’y colle, fort belle voix d’ailleurs, la changeant de ses habituels hystéries. Pourtant Lynch a une voix parfaite pour son disque. Une voix de laquelle on peut faire totale abstraction pour ne se faire balloter que par la musique et pourtant cette voix maintient cet album au sein d’une unité, d’un ensemble cohérent.

M. David Lynch

Si l’on aime l’introspection monomaniac de Lynch, entendre par là qu’il a beau avoir fait une dizaine de long métrages, il a toujours tourné autour du même thème, alors on aimera cet atmosphère étrange, cette brume qui refuse de se lever. C’est un disque avec lequel je pourrais m’endormir tous les soirs.

Attention, je ne dis pas du bien de “Crazy Clown Time” juste parce que c’est un réalisateur que j’aime d’ailleurs je n’ai pas toujours adhéré à ses films, certains m’ont moins parlé que d’autres. Je dis juste que moi j’ai apprécié son écoute et qu’il a des qualités indéniables même si loin d’être parfait. Mais en fait, parfait de quoi ? à quoi s’attendait-on ? Personnellement à rien puisque je ne savais même pas qu’il allait sortir un LP en 2011. Je l’ai découvert après sa sortie, un peu par hasard. Et puis à quoi peut-on s’attendre d’un type comme lui ?

Vraisemblablement à beaucoup puisque l’album de David Lynch a souvent été durement critiqué dans la presse, c’est même suite à la lecture mi-novembre d’une très mauvaise critique que j’ai lancé mes oreilles dessus.

Alors, victime de sa notoriété ? Certainement. Victime de son hermétisme ? Aussi un peu. Victime de cette vague qui consiste à détester tout ce que certains autres, faussement taxés d’élite untel ou autre, aiment ? Oui, Lynch, c’est un fait, n’a jamais été accessible à tous et l’aimer vous met souvent une étiquette sur le poil car il parle à certains, à d’autres non, mais en définitive il en est de même avec tout.

Et bien tant pis, même si je n’aime pas mettre les choses dans des cases, je suis prêt-à-porter l’étiquette qu’on m’aura choisi. Pourquoi avoir honte d’aimer un album que beaucoup d’autres détestent ? J’assume car je le prends comme il est : une possible BO d’un film sans images. En l’écoutant j’ai l’impression d’avancer au ralenti, comme dans un rêve, dans une boite rock à la lumière clair-obscur et de croiser des tas de gens ressemblant à autant de créatures distinctes et pourtant se mêlant dans un maelstrom psychédélique.

Oui je sais ; ça vous en dit long sur mon état mental…

By Greg

Hole

En 1989, âgée de 24 ans, elle s’installe à Los Angeles et passe une annonce dans le magazine underground Flipside : « Je veux monter un groupe mes influences sont Big Black, Sonic Youth et Fleetwood Mac » à laquelle le guitariste Eric Erlandson répondit. Après des auditions pour la batterie et la basse, Love et Erlandson recrutent Jill Emery à la basse et Caroline Rue à la batterie. Elle décide de nommer le groupe Hole, en référence au trou qu’elle a en permanence en elle et à la Médée d’Euripide.  Ils commencent par faire des petits concerts (leur premier étant la première partie de L7 au club Raji’s) et créent les chansons, qui apparaîtront plus tard sur leurs albums, telles que Retard Girl, Berry ou encore Turpentine. Le groupe décide dès le début de mettre l’accent sur les paroles pour qu’elles soient fortes et expriment des problèmes de société dans une veine féministe. Jusqu’en 1991, c’est une période de concerts, d’écriture et petit à petit le groupe commence à se créer un réseau de fans et à faire partie de l’univers musical rock et indépendant du début des années 90.

C’est après ces deux ans de single que le groupe a envisagé la création d’un premier album en 1991. Sub Pop et Sympathy For The Record, deux grands noms des labels indépendants, leur proposent un contrat mais Love refuse et préfère signer chez Caroline Records (Bad Brains, Misfits…). Pour la production de l’album, elle envoie une lettre à Kim Gordon de Sonic Youth, avec une barrette Hello Kitty ainsi que des maquettes et singles et lui disant que le groupe adore les albums Sister et EVOL, pour lui demander de produire leur premier album. Kim Gordon accepte et commence alors le projet. L’album Pretty On The Inside sort donc en Aout 1991. C’est un album violent : Courtney Love va du murmure au crie guttural, les riffs de guitares sont violents et rapides, les mélodies complexes… L’album a de grandes influences Punk Rock. Les paroles sont très fortes notamment sur la chanson Teenage Whore, premier tube de l’album, qui parle de l’adolescence, de la recherche d’affection et de ses dérives, inspiré par la vie de Love. Garbage Man, premier clip vidéo du groupe, parle du conformisme et de l’image de soi ou encore Clouds sur l’abus de drogue. L’album a été très controversé en raison de sa violence musicale, c’est comme une grosse claque, un cri de douleur. A travers cet album, Courtney Love essaye de s’exorciser. Cela lui tient aussi à cœur de parler de la condition de la femme et de la féminité. Le groupe part alors en tournée dans tous les USA ainsi qu’en Europe pour promouvoir l’album. Les critiques le comparent au début du punk ainsi qu’à Horses de Patti Smith.

Courtney Love, Kurt Cobain et leur fille Frances Bean Cobain

Durant l’année 1991, Courtney Love va commencer à sortir avec Kurt Cobain rencontré deux ans plus tôt dans un night club de Portland. Durant l’année 1992, ils se marient à Honolulu et deviennent rapidement le couple le plus médiatisé de ce début des années 90 : tous les journaux à scandales parlent de leur idylle sous le signe de la drogue. En août 1992 nait Frances Bean Cobain mais la garde de l’enfant est difficile car les services sociaux ne veulent pas confier l’enfant à des junkies irresponsables. Des analyses de sang leur permettront finalement de récupérer leur fille. Les rumeurs vont bon train, les magazines people s’en donne à cœur joie : on l’accuse de sortir avec Kurt Cobain uniquement pour atteindre les sommets, la traitant de groupie allant jusqu’à dire qu’elle serait à l’origine de sa mort. Dans cette ambiance, Caroline Rue et Jill Emery quitte le groupe. Entre en scène la batteuse Patty Schemel et la bassiste Kristen Pfaff.

Après une tournée durant l’année 1993 en Europe, le groupe retourne en studio pour enregistrer leur deuxième album. Malgré cela Courtney Love est très affectée par la santé morale de son mari et ses abus de drogues. Après une overdose à Rome en mars 1994 elle le supplie de retourner en cure de désintoxication mais sans succès. Kurt Cobain met fin à ses jours le 5 avril 1994. L’album Live Through This, considéré comme le meilleur de Hole, sort quelques jours après la mort de Cobain, le 12 avril 1994. Le groupe annule donc sa tournée promotionnelle mais l’album se vend quand même très bien, les fans de Nirvana y reconnaissent en celui-ci le testament de Cobain par sa femme. Cet album est pour moi le plus fort du groupe. Les mélodies sont beaucoup plus élaborées que sur le premier, plus matures. L’album regorge de pépites telles que Miss World, deuxième chanson de l’album, qui aborde le thème de l’adolescence de façon assez pessimiste en parlant de l’image de soi avec les changements amenant aux abus de drogues ou au suicide. On y trouve aussi Asking For It, chanson abordant le viol de façon très féministe en racontant un épisode arrivé à Courtney Love durant une tournée en 1991 durant laquelle elle s’était jetée dans le public quand celui-ci a commencé à lui arracher sa robe ainsi que ses sous-vêtements, et a lui enfoncer des doigts de force en l’insultant. Les journaux qui avaient réussi à prendre une photo dirent qu’elle ne cherchait que ça avec sa façon d’être, comme le prouve les paroles : « She was asking for it » !

"Live Through This" (1994)

Sur cet opus, chaque chanson est unique et très bien écrite : Jennifer’s Body (cette chanson s’inspire d’un fait divers racontant le meurtre d’une jeune fille, agressée sexuellement), I Think That I Would Die (chanson racontant les inquiétudes de Courtney Love au sujet de sa fille devant l’élever seule suite au décès de Kurt Cobain : « I want my baby / Where is my baby ? » ou « There is no milk »), Rock Star ou encore Olympia (abordant un souvenir sur l’adolescence à Olympia, capitale de l’état de Washington, où tout le monde fait tout pareil, abordant le conformisme et l’adolescence des années 90).

Live Through This est un album poignant, le meilleur du groupe qui permet de découvrir la sensibilité des membres du groupe et plus particulièrement celle de Courtney Love qui se dévoila à travers chaque chanson en s’adressant souvent à Kurt Cobain. La malédiction de Hole continue avec la mort de Kristen Pfaff, retrouvée morte d’une overdose dans sa baignoire le 16 Juin 1994. Le groupe doit donc trouver une nouvelle bassiste et c’est la canadienne Melissa Auf Der Maur qui rejoint le groupe. Il y a ensuite une période de pause dans laquelle le groupe sort quelques morceaux et font des concerts pour sortir un troisième album intitulé Celebrity Skin, cet album est plus pop que les précédents avec quelques morceaux digne de Hole tels que le morceau éponyme ou bien Malibu.

Dès 1999, le groupe ne produit plus rien et se sépare en 2002 d’un commun accord entre Love et Erlandson. Courtney tente en 2009 de reformer Hole mais sans aucun des musiciens de l’époque. Le groupe est plutôt Courtney Love seule que Hole et l’album Nobody’s Daughter sorti en 2010 est plus une caricature de ce que pouvait fournir le groupe à son apogée. Hole fut donc un groupe majeur de la scène Indie des années 90 qui a su tiré profit de toutes les dures situations qu’a vécu le groupe ainsi que le génie du duo d’écriture parole/musique Love et Erlandson.

By Diego Seval

Année 92, dans le nord de la France. Arno Futur (chanteur), Mathias (batteur) Vlad (bassiste), Yann (guitariste) ainsi qu’Yves (guitariste) ont la merveilleuse idée de s’associer pour former le groupe Les Sales Majestés. Dans la coulée, le groupe sort un disque de cinq titres ; mais ce n’est que les premiers pas du groupe et l’impact n’est pas suffisant pour propulser le groupe. Année 95, le groupe fonde leur propre label Destroy Keupon Production et produise ainsi leur disque Bienvenue. L’album est parfaitement accueilli par le public et le groupe enchaîne concert sur concert. Le groupe marque ainsi sa place sur la scène française. Les accords de guitare sont simples, le son n’est pas saccagé comme l’est habituellement le son punk, ce qui focalise alors de l’importance à leurs chansons. Textes engagés, en lutte contre la société, les Sales Majestés dépeignent parfaitement la réalité en prônant leur idées. Des titres tels qu’ “En France” ou “Bienvenue” donnent un aperçu direct sur leurs opinions. Année 97 sort l’opus No Problemo. Le titre “Keupon Toujours” devient vite un hymne dans les salles de concert.

Un an plus tard, vient l’album Dernier Combat composé de 6 chansons dont 3 lives. Année 2000, les Sales Majestés reviennent avec Y’a pas d’amour. Le groupe dénonce sans pudeur les faits et gestes des politiciens, des patrons, des flics et nous parle aussi de la guerre, de la vie… En quelques accords, le groupe nous raconte en réalité une histoire, celle qui est la leur, celle de nos ancêtres et la nôtre aussi. L’année 2001 et 2002 se caractériseront par le album live Bordel Live et un best-of retraçant les années 1192 à 2000, réel petit bijou qui regroupe tous les hymnes résonnant encore dans nos tympans. Année 2008 sort Week-end Sauvage en format CD-DVD. J’aurais préféré écouter de nouvelles chansons plutôt qu’un second album live. Année 2010, les Sales Majestés reviennent en force avec Sois pauvre et tais-toi. La médiatisation de ce nouvel album fut plus que moindre, pourtant le groupe fait partie des seuls survivants des années punk, non ? Dix après Y a pas d’amour, on remarque tout de même que l’évolution de leurs chansons n’a pas vraiment évolué… Peut-être parce que la France est toujours dans la même situation ? Dans tous les cas, leur rage n’est pas perdue, ooh non !

Année 2011, c’est ainsi que nous (grand-parents, parents, ados, enfants) nous remémorons avec nostalgie les belles années punk qui ont tendance à trop être oubliées par la génération actuelle. A la seconde où j’écris ces quelques lignes, je me réjouis de savoir que le groupe est encore actif. La seule chose que je regrette alors est qu’oncle Georges ne soit plus là pour m’accompagner au prochain concert des Sales Majestés…

« Aujourd’hui est pire qu’hier mais meilleur que demain. C’est un peu un cliché mais nous pensons sincèrement que c’est la réalité » Les Sales Majestés.

By Léa Delmas

«  Meet the Eels », sorti en 2008, est un album qui porte bien son nom « à la rencontre de The Eels » puisqu’il regroupe toutes les meilleures chansons de Eels des albums précédents, de 1996 à 2006.

E © Autumn de Wilde

Sans plus tarder, allons dans le vif du sujet.

L’album reprend donc tout ce qui a pu faire le succès de Eels, prenant les morceaux qui ont le plus marqué le groupe, ayant même participé à sa notoriété au travers de certains morceaux tirés de BO comme « My Beloved Monster », «  I Need Some Sleep » ou encore « Cancer For The Cure », respectivement dans Shrek (2001), Shrek 2 (2004), et American Beauty (1999).

D’autres morceaux, tout aussi excellents que ceux cités auparavant mais moins connus du grand public comme «  Novocaine for the Soul », « Mr, E’s Beautiful Blues » ou encore « Last Stop This Town »… sont assez similaires dans le ton : des mélodies entraînantes, souvent douces, tristes, avec parfois des paroles de prime abord simplistes mais qui révèlent au fond un semblant de vécu de l’Artiste, pas toujours rose…

Quand on avance un peu dans l’album, on passe à des musiques nettement plus énergiques et légères comme « Saturday Morning » ou « I Like Birds », ou carrément même à un registre qui peut surprendre de la part de Mr.E (le chanteur), je ne citerai que « That’s not really Funny » et « Get Ur Freak On », où le son s’apparente à quelque chose d’inédit et d’innovateur dans le son.

Ces musiques s’avèrent en effet un poil moins poétiques et tendres, pour laisser place à une autre facette de la personnalité du chanteur, plus laconique disons, pour rester polis…

Non disons le franchement, ici Mark Oliver Everett alias Mr. E s’exprime clairement et franchement, sans tabous sur ce qui se passe dans sa vie.

Ce qu ‘il y a d’intéressant à ajouter, c’est que ses musiques à l’écoute, parviennent vraiment à montrer un côté un peu plus « noir » du chanteur. En effet, les sons sont plus abruptes et même dans la voix, Mr. E paraît presque en colère (« Get Ur Freak On »), du moins beaucoup moins enjoué que dans « Climbing to The Moon » ou « Fresh Feeling » par exemple, et c’est ce qui rend l’album très riche et intéressant à l’écoute.

En ce qui concerne maintenant la manière de chanter, il n’y a pas à épiloguer longuement. E possède une voix unique, très belle, un peu rocailleuse parfois mais surtout très soignée. Il arrive tout au long de l’album à la rendre différente tout en restant fidèle à lui-même et sans rendre l’écoute de l’album monotone et terne, en ayant une voix plate et sans fluctuation.

En conclusion, que dire ? Sans conteste que Mr. E a beaucoup de talents, tant dans l’écriture de ses musiques où il sait toucher ses interlocuteurs par des paroles profondes, empreints de vérités sur la vie, souvent tristes mais dites avec tellement de douceur, que dans la composition de celles-ci, à savoir des mélodies toujours très variées, rythmées, authentiques… excellentes, passant par plusieurs styles de musiques et s’essayant également à plusieurs sortes d’instruments…

« Meet The Eels » est un album de qualité, qui a su trouver les chansons pour inviter les gens qui ne connaissaient pas, à découvrir Eels ou pour d’autres à se remémorer avec plaisir des morceaux, déjà écouté auparavant par les habitués, ébahis et conquis par l’univers incroyable de ce cher Mark Oliver Everett.

By Marcus Bielak

Au Peuple du Rock, on aime bien savoir comment assurent, en live, les artistes sur lesquels nous écrivons, et pouvoir par la suite, témoigner de leurs performance scénique, donc, j’ai été les voir en concert le samedi 17 décembre au Gibus (Paris 11^ème), ils étaient invités pour la soirée tremplin d’Emerganza.

Guillaume, le batteur, avec en arrière plan Hugo, le bassiste. © Michel Silvano.

Non loin du métro République, se trouve la salle « Le Gibus » où, en ce samedi soir de décembre, joue le groupe marseillais The Magnets.  21h, j’arrive dans la salle, pile à l’heure pour les voir s’installer, et faire les balances pendant le changement de plateau. La salle est petite, conviviale, avec un public de tout âge, mais quand même majoritairement féminin.

Une fois les balances finies, Marine, la guitariste, lance le concert avec “Musical Trip”, morceau d’accords de LA joués successivement. Ensuite, viennent se rajouter petit à petit la batterie, derrière son mur en vitre plexyglasse, jouée par Guillaume. Puis vient s’ajouter à ce morceau Hugo, bassiste, pour après voir venir Zénia, masquée, la chanteuse.

On sent d’ores et déjà une énergie particulière qui envahit la salle, et le public, cette même énergie qui te fait hocher la tête, et taper du pied.

Le concert bat son plein, la musique est entrainante, la guitare saturée se marie très bien avec la batterie très rythmée. Nous sommes bien sur du gros rock électro ! Au fil du concert, Zénia tombe le masque, et on découvre une chanteuse habitée par la musique, à la limite de la transe, complètement délirante et très énergique. Nous sommes ici très très loin de la chanteuse toute gentille qui se préoccupe seulement de chanter ses chansons, statique face au micro et face à son public.

« On découvre une chanteuse habitée par la musique, à la limite de la transe » © Michel Silvano.

Le concert va crescendo, l’ambiance est bonne, bref, le concert se passe très bien.

Après quelques musiques très énergique, nous viens le temps calme du concert, le moment mélancolique si je puis dire, avec comme titre “Out of Space”, qui vient rompre le sentiment de linéarité d’un concert.

Hugo troque sa basse pour un petit clavier, avec lequel il stabilise la musique à base de nappes de synthés, auxquelles viennent s’ajouter les samples de batterie électronique, venant de l’Octapad de Guillaume. Marine brode autour de ce thème très mystique, très électronique, aux sonorités très recherchées, pour ensuite voir venir Zénia, venant s’accroupir au devant de la scène, et fixant d’un regard déterminé une jeune fille au premier rang, tout en débitant un chant presque plat, pour un effet plutôt trippant.

La musique, elle aussi, va crescendo, jusqu’à ce que la chanteuse mette un terme au chant, pour enfiler la basse, et laisser place à une explosion totale du morceau. C’est réussi, très réussi.

« Fixant d’un regard déterminé une jeune fille au premier rang » © Michel Silvano.

En bref, pour les amateurs de musique rock électro adeptent des concerts aux gros sons bien efficaces, tout en restant très recherchés, The Magnets en live, c’est une valeur sûre.

Si vous aussi, vous les avez vu, faites nous part de vos impressions par commentaire ou par mail à lepeupledurock@hotmail.fr, nous les transmettrons ensuite aux membres de The Magnets.

Si ce n’est pas encore le cas, et que vous voulez vous rattraper, vous pouvez suivre l’actu du groupe sur leur Facebook, ou sur leur MySpace !

A bientôt sur le Peuple du Rock.

By Anthony Amar

Vanessa Mans

• Skip the Rope – Das Pop (2011)
• Changing the Rain – The Horrors (2011)
• Proxy – Echo And tTe Bunnymen (2009)
• Ghosts – dEUS (2011)
• Bored – Girls in Hawaii (2008)

Diego Seval

• Kissability – Sonic Youth (1988)
• Silver Jenny Dollar – The New Pornographers (2010)
• Plain Sailing – Tracey Thorn (1982)
• The King Of Carrot Flower, Part. I – Neutral Milk Hotel (1998)
• Dance More – The Dogs (2011)

Sabrina Cirillo

• Days Are Forgotten – Kasabian (2011)
• Fake Empire – Tha National (2008)
• Fresh Feeling – Eels (2001)
• The Show Must Go On – Queen (1991)
• Feeling Good – Nina Simone (1965)

Mickael Chailloux

• Blue Christmas – Elvis Presley & Martina McBride (2008)
• I’ll Be Home For Christmas – Rascal Flatts (2008)
• Christmas In America – Kenny Rogers (1989)
• Silver Bells – Brad Paisley (2006)
• Christmas Is Near – Ralph Stanley (2003)

Hélène Delabuis

• Sister – The Black Keys (2011)
• Wicked Game (Chris Isaak) – Ima Robot (2006)
• Ho Hey – The Lumineers (2011)
• Born To Die – Lana Del Rey (2011)
• Hold On – Alabama Shakes (2011)

Manon Delestre

• Give Peace a Chance – John Lennon (1969)
• Happy Xmas (War Is Over) – John Lennon (1972)
• Miracle Worker – SuperHeavy (2011)
• Some Dresses – Dananananaykroyd (2009)
• Since U Been Gone – A Day to Remember (2004)

Greg

• Throwing a Ball – Balthazar (2010)
• I’ll Stay Here – Balthazar (2010)
• I Wouldn’t Treat a Dog (The Way You Treated Me) – Bobby “Blue” Bland (2008)
• Wild Roses – Hope Sandoval (2009)
• Sugar Kane – Sonic Youth (1992)

Antoine Lacot

• River Sister – Syd Matters (2010)
• Dream On – The Chemical Brothers feat. Jonathan Donahue
• Sleep – The Dandy Warhols (2000)
• Honky Tonk Women – The Rolling Stones (1969)
• Sacrifice – Sir Elton John (Live)

Frank Sinatra

Merry Christmas

By Antoine Lacot